El brillo de la música. «La vendedora de fósforos», de Alejo Moguillansky

Ganadora como Mejor Película en la Competencia Oficial Argentina del cada vez más reconocido Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), en su décimo novena edición (2017), La vendedora de fósforos es una película que toma su título del cuento homónimo de Hans Christian Andersen y experimenta con su triste historia, tal como lo intenta hacer uno de sus personajes principales al montar una ópera con el cuento como su principal motivo.

Con el reconocido músico alemán Helmut Lachenmann interpretándose a sí mismo, y la célebre pianista argentina Margarita Fernández, La vendedora de fósforos, pensado inicialmente como un documental sobre Lachenmann y la interpretación de su ópera Das Mädchen mit den Schwefelhölzern  (La vendedora de fósforos) en el Teatro Colón de Buenos Aires durante el año 2014, se convierte en un filme que cuenta la apurada situación de Marie y Walter, un matrimonio dedicado a la música que en su intento por salir de las deudas convive con los insignes músicos; ella con Margarita Fernández, y Walter con Helmut Lachenmann, empleado para sumarse al equipo que dará vida a la ópera del compositor de Stuttgart.

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Marie y Walter se encuentran en una situación complicada. Entre deudas y las peripecias del nuevo empleo de Walter, deben también organizarse para cuidar a su hija Cleo, una niña que acompaña a su madre en las visitas a la casa de la pianista Margarita Fernández. Mientras las manos virtuosas de la pianista tocan piezas de Schubert, la niña mira repetidas veces Al azar de Baltazar (Au Hasard Balthazar, 1966) de Robert Bresson, cinta tomada de la caja de películas de Margarita, en donde figura la portada de la exquisita película Cléo de 5 à 7 de Agnès Varda (1961). Con estos guiños de Moguillansky a dos clásicos del cine francés -Cleo es también el nombre del personaje interpretado por su hija en la película- y la música de Lachemann y Schubert, aunado al triste cuento del escritor danés, se teje una película que tras los primeros minutos se torna agradable y abre la duda sobre cuál será el destino del joven matrimonio en problemas.

Aspectos trágicos se tornan divertidos con las actuaciones de Walter Jakob y María Villar, quienes interpretan al matrimonio que protagoniza la película y buscan ideas para que la ópera cobre vida. Haciendo contraste a las pesadas narraciones españolas del cuento de Andersen, una fresca grabación realizada por María junto a su hija jugando a encender los fósforos, permite a Walter seguir trabajando con cordura. La historia no olvida su origen y por momentos las tomas parecen fragmentos propios de un making of de la ópera. El cuento de Andersen se expresa a través de la música, de grabaciones en acetatos, de lecturas de pentagramas y de libros animados. El trabajo de Moguillansky resulta osado durante todos los setenta minutos de duración.

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Los tintes de crítica política van de la mano de una huelga que menoscaba los progresos de los ensayos de la orquesta y de los diálogos intermitentes que discuten sobre la función del arte en la sociedad y su carácter burgués, en específico, la música de orquesta que en ocasiones navega sin obstáculos en las élites más adineradas que tienen los recursos económicos para producirla y para asistir a los lujosos recitales. No obstante, cuando es potente como obra de arte, se filtra de forma asombrosa por diversos medios para estar al alcance de todos y no distingue entre clases sociales; toca sin excepción cualquier corazón.

La magia que emana de las notas musicales, al igual que los brillos que iluminaron la sonrisa de la pequeña vendedora de fósforos, puede abrazar a cualquiera en sus momentos más afligidos y en los más felices. Con el cine sucede algo similar, y una película como La vendedora de fósforos, con una narrativa atrevida, música seductora -que va desde Schubert hasta Lachenmann y Ennio Morricone- y sobresalientes actuaciones, tiene los elementos para hacer pasar un buen rato a cualquiera.

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Título: La vendedora de fósforos
Director: Alejo Moguillansky
Año: 2017
Guión: Alejo Moguillansky
Fotografía: Inés Duacastella
Música: Helmut Lachenmann
País: Argentina

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«Chilling Adventures of Sabrina». Una nueva serie sobre Sabrina Spellman.

Primera temporada

Basada en el cómic Chilling Adventures of Sabrina (2014), la nueva serie que tiene como protagonista a la hoy famosa bruja adolescente Sabrina Spellman, remite a la serie de 1996 Sabrina, the Teenage Witch (basada en el cómic homónimo de 1971) protagonizada por Melissa Joan Hart. Las comparaciones entre ambas series son casi inevitables, siendo que se basan en el mismo personaje ubicado en la misma época, justo cuando está a punto de cumplir dieciséis años.  Lo afortunado es su contraste narrativo y disímil atmósfera que envuelve a la joven bruja.

Abandonando la comedia de la serie de los noventa, la producción actual que se ha traducido como Las escalofriantes aventuras de Sabrina en España y El mundo oculto de Sabrina en Hispanoamérica, se esfuerza por mantener el antagonismo entre el lado humano y mágico de Sabrina, quien, a punto de cumplir dieciséis años, debe bautizarse como bruja firmando el libro de Satanás. Sus tías Hilda y Zelda, junto con el mismo Satanás, presionan a Sabrina para que firme el libro, pero el lado humano de la adolescente y su agradable vida junto a su novio mortal Harvey Kinkle, y sus amigas Roz Walker y Susie Putnam, la ponen en conflicto respecto a seguir la promesa que desde niña hizo a sus tías, deseando renunciar a los más amplios poderes como bruja para quedarse con las bellezas de la vida mortal.

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En su esfuerzo para obligar a firmar a Sabrina, Satanás tiene diversos aliados que se tornan ambivalentes con la protagonista. Su osadía y humanidad permiten a Sabrina rodearse de las personas indicadas para aprender a utilizar todos sus poderes; en su complicada vida escolar le sienta mejor la secundaria Baxter, teniendo que lidiar por otro lado, dentro de la Academia de Artes Oscuras, con tres malévolas brujas -Prudence, Agatha y Dorcas- que se divierten a costa del sufrimiento de los demás. Dentro del colegio para brujos, Nicholas Scratch se convierte en su admirador y aliado, posibilitando se esbocen algunos problemas dentro del plano romántico entre el brujo y el joven Harvey Kinkle.

La joven Sabrina a pesar de sólo ser mitad bruja, cuenta con habilidades extraordinarias para alguien de su edad, no obstante, su impulsividad adolescente y poca experiencia la llevan de un problema a otro, a pesar de los esfuerzos de sus tías y de su primo Ambrose Spellman por guiarla y protegerla. El célebre gato Salem, divertido bufón en los noventa, aparece en esta ocasión como un serio protector que cambia lo parlanchín por la seriedad de un gato que se muestra fiel a su acompañante.

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Diez episodios más un especial navideño forman la primera temporada de Chilling Adventures of Sabrina. La actriz Kiernan Shipka realiza un excelente trabajo junto a los demás integrantes del reparto. Con un ritmo enérgico, la serie combina el terror con el drama adolescente, siendo lo sobrenatural lo que sobresale en todos los episodios. El final, como sucede en todas las series que tendrán más temporadas -la segunda se estrenará en abril de 2019- da pie para que algunos acontecimientos de la primera temporada puedan seguir desarrollándose, manteniendo hábilmente el suspenso, pero sin dejar la sensación de que no concluye. La primera temporada es, en resumen, ágil y entretenida, un retorno de Sabrina Spellman, personaje que triunfó hace más de veinte años y que ahora pretende despertar menos risas y más escalofríos.

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Título: Chilling Adventures of Sabrina
Directores: Lee Toland Krieger, Ron Seidenglanz, Maggie Kiley, Rachel Talalay, Viet Nguyen, Craig William Macneill
Año: 2018
Guión: Cómic de Roberto Aguirre-Sacasa; Matthew Barry; Donna Thorland
Fotografía: Brendan Uegama, David Lanzenberg, Stephen Maier, Craig Powell
País: Estados Unidos de América

Reseña de la miniserie «Parfum». El perfume de Netflix.

El alemán Philipp Kadelbach es el encargado de dirigir la miniserie de Netflix basada en el reconocido libro El perfume (Das parfum) de Patrick Süskind. El proyecto de sólo seis episodios rinde homenaje a la novela y a su adaptación fílmica de 2006 Perfume: The Story of a Murderer, dirigida por Tom Tykwer. Philipp Kadelbach, con experiencia en dirigir series, realiza un gran trabajo superando lo logrado en la miniserie inglesa SS-GB (2016) y por momentos siguiendo el inquietante estilo de su película Auf kurze Distanz (Point Blank, 2016). El guión de Eva Kranenbug es un elemento importante para que el resultado final de la serie sea favorable.

Jean-Baptiste Grenouille, el memorable protagonista de la novela de 1985, es la inspiración para los crímenes que acontecen en la serie ambientada en un contexto actual, en donde un brutal asesinato pone los reflectores sobre cinco personajes que en la adolescencia convivían como grupo con la asesinada. Las sospechas de la policía están sobre todo el grupo cuya convivencia se ha fracturado con el paso de los años, algunos aun manteniendo una estrecha amistad, pero otros con irreversibles diferencias. Dentro del cuerpo de policía la detective Nadja Simon es quien toma protagonismo, dedicándose a buscar las pistas para resolver el crimen, encontrándose con el perturbador pasado de los sospechosos, mismo que se reconstruye episodio a episodio y lentamente revela la verdad sobre el asesinato. Sus aliados son el detective Matthias Köhler y el fiscal Grünberg.

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Junto al sobresaliente trabajo de la actriz Friederike Becht como la detective Simon, se destacan las atinadas participaciones de August Diehl (conocido a nivel mundial por su papel como el Major Hellstrom en Inglourious Basterds), quien interpreta magistralmente al hábil perfumista Moritz de Vries; Christian Friedel como Daniel Sluiter, apodado Zahnlos (sin dientes), un curioso personaje que asiste frecuentemente a sesiones psicológicas; Natalia Belitski y Ken Duken como Elena Seliger y Roman Seliger, un fracturado matrimonio derivado de los oscuros sucesos que el grupo vivió en la adolescencia; y Trystan Pütter como Thomas Butsche, un proxeneta con un sombrío secreto.

Presente y pasado se alternan en la narrativa. Mientras la policía encuentra pistas fundamentales y descubre algo nuevo sobre algunos de los personajes, los flashbacks van cada vez más atrás, mostrando motivos para que cualquiera pueda ser el asesino. El sentido del olfato es altamente remarcado, tanto como lo posibilita una adaptación sobre El perfume; no faltan las teorías sobre la relación entre olor y emociones, y las excéntricas lecturas que Moritz de Vries hace tras oler a sus entrevistadores, en específico a la detective Simon, permiten que, paralelamente a la resolución del asesinato, se desarrolle ampliamente el personaje de la detective Nadja Simon.

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Parfum es una serie que sabe mantener el misterio desde el primer episodio. Lejos de recrear la conocida historia de Jean-Baptiste Grenouille, toma su habilidad para elaborar perfumes a partir del aroma de las personas. En resumen, Parfum es una entretenida miniserie que atrapará a quienes tienen simpatía por los guiones que permiten al espectador especular sobre el asesino a la par que lo hacen los detectives; la novela de Süskind se traslada al siglo XXI en formato de miniserie con alta calidad.

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Título: Parfum
Director: Philipp Kadelbach
Año: 2018
Guión: Eva Kranenburg
Fotografía: Jakub Bejnarowicz
País: Alemania

Reseña del libro «El país de la canela», de William Ospina

El Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos ha distinguido desde la década de los sesenta a diversas obras que se han encumbrado como grandes de la literatura hispanohablante. Inició galardonando en 1967 La casa verde de Mario Vargas Llosa, la segunda novela premiada fue Cien años de soledad del colombiano Gabriel García Márquez en 1972, las ediciones de 1977 y 1982 reconocieron a las novelas mexicanas Terra nostra de Carlos Fuentes y Palinuro de México de Fernando del Paso; a partir de 1987 el premio venezolano comenzó a otorgarse cada dos años y no cada cinco como fue su formato inicial. En el 2009 la novela premiada fue El país de la canela del colombiano William Ospina.

La novela de Ospina es la segunda parte de una trilogía dedicada a la conquista del Amazonas en el s. XVI. La trilogía inició en el año 2005 con Ursúa, obra elogiada por Gabriel García Márquez, centrada en el conquistador Pedro de Ursúa, y culminó en el año 2012 con La serpiente sin ojos, novela que también tiene a Pedro de Ursúa como personaje representativo y que versa sobre la búsqueda de la tierra conocida como El Dorado. El país de la canela, ubicada entre ambas, se enfoca en el conquistador Gonzalo Pizarro y su encuentro con Francisco de Orellana en una cansada expedición en busca de la tierra mágica en donde se decía únicamente había árboles de canela, los suficientes para hacer ricos a sus descubridores.

William Ospina, nacido en Padua, Colombia en 1954, publicó su primera novela –Ursúa– en 2005, luego de muchos años de trabajo, su ardua labor como escritor de ensayos y poesía encontró el reconocimiento en 1982 del Premio Nacional de Ensayo, y en 1992 del Premio Nacional de Poesía del Instituto Colombiano de Cultura. Su segunda novela, El país de la canela, refleja el estilo poético de Ospina, redactada con una hábil prosa que mantiene el ágil ritmo que la expedición narrada precisa.

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La prosa poética que Ospina imprime a su novela se mezcla con acontecimientos históricos y otros más apegados a la ficción, en donde además de profundizar sobre los pensamientos de los personajes, dota de vida los territorios que los conquistadores pisan. La búsqueda del fantasioso país de la canela revela que el Amazonas y sus alrededores tienen vida. El conquistador Gonzalo Pizarro, históricamente reconocido por participar en la conquista de Perú y encabezar en 1544 la Gran Rebelión de Encomendados en contra de la Corona Española, es el encargado en la novela de encabezar el grupo que busca el idílico país de la canela.

William Ospina dota a su Gonzalo Pizarro de una actitud acorde a lo que se ha descrito en documentos sobre historia. Se sabe que la Gran Rebelión de Encomendados en la que participó, estaba en desacuerdo con la Corona Española porque era una época en la que las insistencias de Bartolomé de las Casas por proteger a los indígenas habían tenido eco. Como respuesta a las peticiones de Bartolomé de las Casas, se dictaron en 1542 las “Leyes y ordenanzas nuevamente hechas por su Majestad para la gobernación de las Indias y buen tratamiento y conservación de los Indios”; era la época del rey Carlos I de España y de Blasco Núñez como Virrey de Perú. Los decretos que protegían a los indígenas indignaron a Gonzalo Pizarro y sus simpatizantes, y este es el personaje que Ospina muestra, un hombre que mira con desprecio a los indígenas que rodean el Amazonas y no duda en ser severo con los hombres que forman parte de su propio grupo durante la expedición. Un Pizarro cuya ambición opaca su inteligencia, en busca de una tierra de fantasía cuya existencia nunca pone en duda.

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El colonizador español Francisco de Orellana es otro personaje destacado en la novela. El hombre al que ahora se le atribuye el descubrimiento del Amazonas, toma un rol importante cuando se une a la expedición comandada por Gonzalo Pizarro. Más audaz que Pizarro, es a través de Orellana y sus hombres que la novela encadena la valentía de los ambiciosos exploradores con la magia de una selva que tiene vida propia, que se muestra sumamente benevolente con sus tribus habitantes, pero hostil con sus invasores, cautivando a cualquiera más de lo que lo habría hecho el país de la canela.

Entretenida de inicio a fin, El país de la canela es una novela histórica que, con un ameno ritmo y una prosa de calidad, se ancla a fragmentos de la Conquista del Perú para situarse en un punto del pasado en donde dos personajes ahora reconocidos como descubridores del Río Amazonas -Gonzalo Pizarro y Francisco de Orella- iniciaron una quimérica expedición hacia el imaginario país de la canela, topándose con la realidad de una imponente selva decorando al monumental río.

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William Ospina

Una joya del cine policíaco francés. Reseña de «Pépé le Moko», de Julien Duvivier

Julien Duvivier es recordado por su prolífica carrera como director de cine, sumando muchas de sus películas al fantástico legado de clásicos del cine francés. La adaptación de Anna Karenina (1948) con Vivien Leigh y Ralph Richardson como protagonistas es uno de sus trabajos más populares, para ese entonces ya era reconocido en el mundo del séptimo arte, sobre todo por sus trabajos en la década de los treinta, por ejemplo, en 1932 aparece Poil de Carotte (Pelo de zanahoria/Pelirrojo), para muchos considerada su mejor película; se suman Le golem (1936), Le belle équipe (1936) y, en 1937, el año de La grande Illusion de Jean Renoir, Duvivier proyecta dos de sus más celebrados trabajos: Un carnet de bal (Carnet de Baile) y Pépé le Moko.

La tragedia y el drama ya eran habituales a la dirección de Duvivier, y en Pépé le Moko reafirma su destreza. La adaptación del libro de Henri La Barthe tiene como protagonista a Pépé, un gángster que lo tiene casi todo, menos libertad. Pépé vive en la Casbah, en donde todos lo protegen y la policía reconoce es imposible atraparlo, sin embargo, el gángster enamorado de París comienza a transformar la Casbah de su hogar a su prisión cuando se enamora de una turista parisina que parece seguir el juego a sus coqueteos. El cuidadoso Pépé se torna impulsivo, el amor asfixia al frío y calculador criminal que sólo quiere volver a París junto a su amada parisina.

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Mientras la pareja intenta realizar lo que parece imposible, la policía insiste en elaborar infructuosos planes para atrapar a Pépé. Únicamente necesitan que ponga un pie fuera de la Casbah. El policía encargado de trabajar en la Casbah es señalado como incompetente por no mover ni un dedo para atrapar al delincuente que pasa frente a sus narices e incluso intercambia amenos diálogos con él; espera paciente, jurando tener el día y la hora en que lo atrapará sin tener que hacer mucho más de lo poco que hace. Mientras la policía falla, Pépé triunfa en sus fechorías y en el amor, pero Inès, su antigua amante, sufre los rechazos y se resiste a olvidarlo.

El amor por la turista Gaby Gould ilusiona a Pépé, lo libera a través de las fantasías de una nueva vida y el anhelo por regresar a París. Su presente y su fama lo condenan, teniendo que resolver conflictos entre los miembros del grupo que lidera, y con Inès, la mujer que lo ama y fue su salvación mientras estuvo cómodo en la Casbah. Gaby Gould, interpretada hábilmente por Mireille Balin, también transforma su mundo; casada con un viejo poderoso y adinerado, cómoda con su belleza, joyas y alto estatus, está dispuesta a cambiar el rumbo de su vida para estar al lado de Pépé.

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En 1937 el actor Jean Gabin ya era habitual en los filmes de Duvivier. Encargado de vestirse de Pépé le Moko, aparece simultáneamente en La grande Illusion, encontrando en 1937 un fuerte impulso para su prolífica carrera como actor, siendo solicitado en años posteriores nuevamente por Jean Renoir y directores como Marcel Carné, Max Ophüls y Fritz Lang. Sobresale también la actuación de Lucas Grilloux, haciendo del inspector Slimane un policía despreocupado por cumplir con su labor, asumiendo que tendrá éxito si hace el mínimo esfuerzo y sólo deja que el tiempo hunda al propio Pépé, no obstante, conforme se desarrolla la historia, muestra diversos destellos de habilidad, ayudando al gángster a enamorar a Gaby Gould, a anhelar París, a odiar la Casbah, mostrándole los motivos por los que debe salir.

Pépé le Moko, un entretenido filme policíaco con numerosos elementos del cine negro que triunfó durante la década de los cuarenta.

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Título: Pépé le Moko
Director: Julien Duvivier
Año: 1937
Guión: Julien Duvivier; Henri La Barthe; Jacques Constant; Henri Jeanson
Fotografía: Marc Fossard
País: Francia

Reseña de «Roma», de Alfonso Cuarón

Durante el año 2018 fue noticia la petición de cientos de ciudadanos para cambiar el nombre a las calles y edificios llamados Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, como los expresidentes que gobernaron el país de 1964 a 1976 e inevitablemente son recordados por las brutales agresiones y matanzas de estudiantes durante sus periodos. El nombre del primero está marcado por los acontecimientos de 1968; el del segundo -Luis Echeverría- por el halconazo de 1971; para los mexicanos, es difícil pensar en alguno de los dos sin asociarlos con gobiernos autoritarios y represores.

En 1991 apareció El bulto, la película de Gabriel Retes que tiene como protagonista a Lauro, un fotógrafo de izquierda que al cubrir la Matanza del Jueves de Corpusel halconazo– es golpeado por el grupo paramilitar y queda en coma durante veinte años. Ambientada en 1991, Lauro se encuentra con un México nuevo, sus antiguos compañeros de lucha han cambiado y se decantan por el sistema neoliberal que poco a poco atesta al país, su esposa se ha casado, sus hijos son adultos y él un desconcertado inadaptado. Coincidiendo en proyectar en sus escenas el mismo evento, Roma, la reciente película de Alfonso Cuarón, se ubica en los años 1970-1971 y, aunque sus protagonistas surcan múltiples situaciones, la recreación del halconazo será un fuerte referente, un evento que en su momento el entonces presidente Luis Echeverría no aclaró y, hasta la fecha, hay impunidad.

Se ha documentado en libros, notas periodísticas y fotografías que el 10 de junio de 1971 alumnos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y el Instituto Politécnico Nacional (IPN) se manifestaron en las calles, teniendo como contexto las reciente protestas en apoyo a la Universidad de Nuevo León, la liberación de los presos políticos de 1968 y el regreso de algunos exiliados. Durante la manifestación, un grupo paramilitar conocido como los halcones, en su mayoría jóvenes que eran apoyados por diversos autos que los dotaban de armas, comenzó a atacar a los estudiantes con palos de kendo y posteriormente a asesinarlos con armas de fuego, en una persecución que llegó hasta el hospital. El grupo, se dice, fue auspiciado por el gobierno del presidente Luis Echeverría, quien había sido Secretario de Gobernación en el sexenio anterior encabezado por Díaz Ordaz y su nombre ya figuraba entre los orquestadores de la matanza del 68. Luis Echeverría se anunciaba como aquel que daría apertura a los estudiantes, sin embargo, dejó en la impunidad los asesinatos de 1971 e inclusive, su gobierno culpó a los propios estudiantes por los violentos infiltrados.

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Roma incluye este suceso, mas no es el tema central. La película tiene como protagonista a Cleo y paralelamente a la familia que la emplea en una casa de la colonia Roma en la Ciudad de México. Con tintes autobiográficos, Cuarón se inspira en recuerdos y sensaciones de su infancia, en las mujeres que lo cuidaban y en las diferencias entre las clases sociales. En la joven Cleo se condensan las clásicas peripecias y hasta los múltiples prejuicios de lo que las clases sociales más pobres viven; refleja ser una amable persona, trabajadora, amorosa con los niños que cuida y aun así, el mundo parece jugarle en contra, pero no sólo a ella, también a los más adinerados que la rodean, no obstante, los problemas tienen efectos más devastadores en Cleo, quien no puede amortiguar el dolor con compras impulsivas y hasta parecen limitados los espacios y horarios en los que puede llorar.

Sobresalen los escenarios muy cuidados que recrean la época en que sucede el filme, con fachadas antiguas de la Ciudad de México, vendedores ambulantes y viejos cines, con un poco de PPS y mucho PRI en los postes y en las paredes que promovían el voto por Echeverría y en la periferia del Estado de México por Carlos Hank, todo haciendo juego con un brilloso blanco y negro ambientado con canciones de Juan Gabriel, Rigo Tovar y Leo Dan acaecidas en la misma época.

También se destacan las actuaciones de Yalitza Aparicio y de Nancy García. La primera interpreta a Cleo, la protagonista de origen mixteco; la segunda a Adela, su compañera de trabajo que representa siempre un punto de apoyo en todos los sentidos para Cleo, ya sea para convivir en los momentos de descanso, como en las arduas labores que implica cuidar cuatro niños y limpiar una casa bajo una actitud de obediencia, de igual manera, le brinda soporte en el plano emocional. Junto a ellas, la actriz Marina de Tavira, interpretando a su intranquila jefa, una madre de cuatro niños que lucha con la prolongada ausencia de su marido y que no duda en hacer una tajante distinción de la posición jerárquica que corresponde a cada clase social.

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Nominada en los Globos de Oro en distintas categorías (director, guión, película extranjera), Roma ya es multipremiada, por ejemplo, ganó el León de Oro como Mejor película en el Festival de Venecia; el Círculo de Críticos de Nueva York la eligió como Mejor película, Mejor Director y Mejor Fotografía; repitió los primeros galardones como Mejor película y fotografía por parte de la Asociación de Críticos de los Ángeles; se destacó en el prestigioso Festival de Toronto y todo parece indicar que estará nominada para competir por un Óscar. Sin duda, los premios y las nominaciones son consecuencia de la popularidad que Alfonso Cuarón obtuvo tras Gravity y de la calidad técnica del filme.

Con una impecable fotografía de inicio a fin y una técnica magistral, Roma sobresale, aunque para muchos no será la predilecta dentro de la filmografía de Alfonso Cuarón. Es resaltar que lejos de apuntar a ser algo nuevo y fresco dentro del cine mexicano, el filme puede incluirse dentro de una muy marcada tendencia del cine nacional a retratar lo cotidiano y apostar por lo contemplativo más que por la acción a toda velocidad, un cine en el que se esbozan críticas políticas y sociales bajo el compromiso de retratar los claroscuros del país y de su gente. Cuarón filma en México, sobre México y con estilo mexicano. Los reflectores internacionales sobre él y el alto alcance que tiene una plataforma como Netflix representan una nueva oportunidad para revalorizar y disfrutar este tipo de cine nacional.

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Título: Roma
Director: Alfonso Cuarón
Año: 2018
Guión: Alfonso Cuarón
Fotografía: Alfonso Cuarón; Galo Olivares
País: México

La nostalgia de sentirse otra persona. «La sangre iluminada», de Iván Ávila

El año 2007 fue prolífico para el cine mexicano, entre las películas que se destacaron se encuentran la premiada en Sundance, Párpados Azules de Ernesto Contreras; la ganadora del Ariel y del Premio del Jurado en Cannes, Luz Silenciosa de Carlos Reygadas; Malos Hábitos de Simón Bross, entre otras. Con menor presencia y sin los múltiples premios otorgados por jurados internacionales, pero con una guión muy interesante y gran calidad, el director Iván Ávila Dueñas presentó su segundo largometraje titulado La sangre iluminada.

El filme inicia con Mateo, un hombre que absorto avanza hacia una fuente en la Ciudad de México para dejarse caer en el agua mientras le sangra la nariz. La locación se traslada a Zacatecas en donde Hugo, un inquieto niño de ocho años narra a un amigo y a su madre todo aquello que siente y que confunde a los adultos. Sin rodeos les confiesa que frecuentemente cambia de cuerpo, a veces es un viejo, otras una reflexiva mujer o un adulto casado; en uno de sus cambios decide marcharse de su hogar para encontrarse con una de sus tantas vidas. En total, son seis personajes transmutando entre sí a lo largo de su vida, algunos se conocen personalmente, otros sólo a través de los recuerdos de añejas transmutaciones.

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La perplejidad y el sangrado los advierte de la llegada de un nuevo deslizamiento, y el cambio de un cuerpo a otro los impacta a todos de maneras diferentes. Confundidos, se relacionan con su entorno presos de la nostalgia que provocan los recuerdos de la última vez que habitaron el cuerpo al que regresan. De Mateo se sabe poco, parece el más sofocado, caminando bajo el sol, con pasos rígidos y en un tenso silencio hacia la fuente que lo recibirá; Hugo es percibido por los demás como un niño fantasioso, sin embargo, conforme crece para su madre comienza a representar un problema de orden psicológico. Por otro lado, Eugenio es un hombre casado que está enamorado de otra mujer, en cada cambio confunde a a ambas, pero adopta una actitud de indiferencia como si nada le sucediera, cuando cada recuerdo de ambas y el vaivén de sus amoríos lo atormenta constantemente. Gustavo Sánchez, Jostein Rounstand y Enoc Leaño son los actores que dan vida a Mateo, Hugo y Eugenio, respectivamente, provocando con su actitud una atmósfera de desconcierto que envuelve a la primera parte de la película, en donde lentamente y conforme cada personaje se presenta, los hechos que parecen aislados comienzan a explicarse.

Los otros tres personajes que llevan la segunda parte de la película se conocen, platican sobre lo que viven, saben que han estado en el cuerpo del otro en muchas ocasiones. Paloma, interpretada por Flor Payán, es el personaje más reflexivo, sabe lo que le sucede e intenta asimilar que así será toda la vida, desapegándose de aquellos a quienes ama, a quienes intermitentemente recuerda y olvida, y está decidida a errar solitaria en un mundo que ha conocido a través de los recuerdos de otros. Soriano, interpretado por Jorge Zárate, parece haber pasado por todo lo que enfrenta Paloma, mostrándose como un hombre solitario que únicamente se dedica a trabajar en una oficina, teniendo como rutina hundirse en papeleo y hacer una pausa para tomar café con un compañero de trabajo que parece ser lo más cercano a un amigo; Isaías, interpretado por Joaquín Cosío, es un viejo que esconde tanta sabiduría como dolor, con aspecto desaliñado se muestra como un vagabundo que toda la vida ha ido de calle en calle, de cuerpo en cuerpo, cansado de sentirse siempre alguien diferente y no encontrar una completa explicación; al igual que Soriano, convive con una persona a la que comparte más pensamientos que los que expresa el taciturno oficinista.

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La película muestra en cada personaje crudas decisiones, y en el siguiente las consecuencias de estas, reuniéndose en Isaías -el personaje de Cosío- el peso de todas las vidas que deben cursar los otros cinco más jóvenes. Las actuaciones de los seis son destacables, proyectando la extrañeza de identidades vulnerables, la nostalgia de sentirse siempre otra persona, añorando momentos del pasado y con pesimismo enfrentando la idea de un futuro que promete ser doloroso y enigmático.

La sangre iluminada es una película que al inicio confunde, pero conforme avanza se suman elementos que iluminan parcialmente todo aquello que parece extraño, pasando de hilar enigmáticos sucesos a un final anunciado. Por su osada historia y la forma en que se narra, con grandiosas actuaciones aunadas a una agradable fotografía, La sangre iluminada es un filme mexicano recomendable en espera de pasar de un espectador a otro y plantear reflexiones similares a todos ellos.

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Título: La sangre iluminada
Año: 2007
Director: Iván Ávila Dueñas
Guión: Iván Ávila Dueñas; José Ignacio Valenzuela
Fotografía: Ciro Cabello; Alejandro Cantú
País: México